Christian Rosa was born in 1982 in Rio de Janeiro and grew up in Vienna. He studied at the Academy of Fine Arts in Vienna under Daniel Richter, graduating in 2012. In 2011 he received the Walter Koschatzky Art-Award.

He has had solo exhibitions in 2013 in Los Angeles (The Shits and The Seven Dwarfs, Ibid), 2014 in Turin (Christian Rosa, La Fondazione Sandretto Re Rebaudengo), 2014 in Berlin (Love’s Gonna Save The Day, Contemporary Fine Arts), 2014 in Los Angeles (California Screaming, Ibid), 2015 in Heilbronn (I am in love with the Coco, Kunstverein), 2015 in London (Put Your Eye in Your Mouth, White Cube), and 2015 in Sao Paulo (More than Nothing, White Cube). Beginning in 2013, Christian Rosa began to draw wider attention at the same time as a group of young abstract painters, among them Jacob Kassay, Ryan Sullivan, and Oscar Murillo, and has become one of the most prominent artists in Austria. As a side effect, this has also changed the international perception of Vienna as a location for the arts. Now Christian Rosa returns to Vienna with his first solo exhibition in Austria, Now it’s over.

Christian Rosa’s spare work elicits numerous associations with classical as well as postwar Modernist artists, while at the same time seeming to question these traditions. His paintings clearly make use of borrowed signifiers by drawing on traditions that, while having lost their original legitimacy, continue to serve as an ideal repository for a wealth of heterogeneous images, ideas, memories, and feelings. In doing so, Rosa ventures to make a new start, yet one in which quasi-classical values live on. Unlike his predecessors, who employed symbols and icons with the intention of targeted communication, Rosa’s work places the indexical in the foreground, focusing on involuntary effects, on handwriting, on a kind of sound. The result is essentially a personal calligraphy of lines, dots, squares, and squiggles on raw canvas that may be read as primary forms of figuration. Amorphous, foggy spray paint contrasts with the graphic qualities of pencil and oil pastels. The inherent qualities of the material bring forth structural stimuli intended to trigger new emotional and visual experiences in the viewer.

Christian Rosa’s paintings are born from a painterly process, which – guided by chance and an instinctive confidence in the energy of physical movement – also does not try to hide its mistakes. The scattered marks, which in their brevity and gesture seek to avoid any suggestion of craftsmanship or semblance of commitment and rootedness, leave a great deal of open space between them, and the resulting void demands to be filled with all sorts of narratives and projections. Michael Hort: “These images are very whimsical and imaginative. They are abstract but not entirely abstract. The markings remind you of graffiti, and when you take the time to look, you see all kinds of things…”¹ Christian Rosa’s work is by no means finished with the conclusion of its physical production, but rather comes into being quite in literally in the eye of the beholder.

Looking at his work not only in terms of aesthetic affinities, but from a sociological point of view makes evident its roots in pop culture. Christian Rosa’s paintings are above all a product of the studio. Their reference point is not the act of composition per se, nor the real-time situation of a performance, but rather a studio practice often carried out in the presence of colleagues. (In 2014 he opened 1704 Hooper Projects in Los Angeles, an art space that enables European artist-friends to work and exhibit nearby his studio.)

The work reaches its final manifestation through the process of reception, finding completion only in unity with various forms of media-based communication. In this sense, the personality or role of the artist becomes a subject in and of itself. There are numerous features on digital native Christian Rosa circulating in the media, such as the film LA with Christian Rosa by Ace Norton. In Diedrich Diederichsen’s analysis, the role of the bourgeoisie and the middle class is being taken over by a global, culturally hybrid elite (and newly admitted protagonists, immigrants, adolescents, sexual minorities, women), who no longer define their cultural affiliation according to tradition and origin, but through identification and desire.² Within the watershed of the great consensus among postwar Western societies, which has now also reached the art world, Rosa consistently succeeds in deploying the possibilities of non-conformity through a dialectic between affirmation and negation. In doing so he is clearly pursuing a kind of re-entry of differentiation and distinction between popular/elitist in an expanded field of contemporary art.

¹ Cited in Michael and Susan Hort, Michael & Susan Hort’s Favorite Artworks at Art L.A. Contemporary, Artspace, 4 February 2014
² Diedrich Diederichsen, Über Pop-Musik, Cologne 2014, p. XIV

Christian Rosa wurde 1982 in Rio de Janeiro geboren und wuchs in Wien auf. Er studierte an der Akademie der bildenden Künste in Wien bei Daniel Richter, wo er 2012 graduierte. 2011 erhielt er den Walter Koschatzky Preis.

Einzelausstellungen hatte er 2013 in Los Angeles (The Shits and The Seven Dwarfs, Ibid), 2014 in Turin (Christian Rosa, La Fondazione Sandretto Re Rebaudengo), 2014 in Berlin (Love´s Gonna Save The Day, Contemporary Fine Arts), 2014 in Los Angeles (California Screaming, Ibid), 2015 in Heilbronn (I am in love with the Coco, Kunstverein), 2015 in London (Put Your Eye in Your Mouth, White Cube), und 2015 in Sao Paulo (More than Nothing, White Cube). Ab 2013 ist er, gleichzeitig mit einer Gruppe von jungen abstrakten Malern, darunter Jacob Kassay, Ryan Sullivan und Oscar Murillo, bekannt geworden und gehört mittlerweile zu den prominentesten Künstlern Österreichs. Dies hat als Nebeneffekt auch die internationale Wahrnehmung von Wien als Kunststandort verändert. Nunmehr kehrt Christian Rosa mit seiner ersten Einzelausstellung in Österreich Now it´s over nach Wien zurück.

Die kargen Arbeiten von Christian Rosa wecken zahlreiche Assoziationen zu Künstlern der klassischen sowie der Nachkriegs-Moderne, scheinen diese Traditionen aber gleichzeitig in Frage zu stellen. Offensichtlich agiert er in seiner Malerei mit fremden Zeichen, indem er auf Traditionen zurückgreift, die zwar ihre ursprüngliche Legitimation verloren haben, aber weiterhin als idealer Speicher für eine Fülle von heterogenen Bildern, Ideen, Erinnerungen, Gefühlen dienen. Derart versucht Rosa einen Neuanfang, in dem aber eine quasi klassische Werteorientierung fortlebt. Anders als seine Vorgänger, die mit der Absicht gezielter Kommunikation Symbole und Ikonen bearbeiteten, steht bei ihm das Indexikalische im Vordergrund, die Konzentration auf unwilkürliche Effekte, auf die Handschrift, auf eine Art Sound. Auf rauher Leinwand entsteht so eine Art persönliche Kalligraphie aus Linien, Punkten, Quadraten und Kringeln, die Primärformen für Figurationen sein könnten. Unförmiger, nebeliger Sprühlack steht den graphischen Qualitäten von Bleistift und Ölkreide entgegen. Die inhärenten Qualitäten des Materials bewirken strukturelle Reize, die neue emotionale und visuelle Erfahrungen des Betrachters auslösen sollen. Die Gemälde von Christian Rosa entspringen dabei einer malerischen Aktion, die, geleitet vom Zufall und von einem instinktiven Vertrauen in die Energie physischer Bewegung, auch Fehler nicht verheimlichen will. Zwischen den vereinzelten Markierungen, die sich in ihrer Kürze und Gestik jeder Anmutung von Handwerklichkeit und jedem Anschein von Festlegung und Verwurzelung entziehen wollen, entsteht  dann viel Platz und die so entstandene Leere will mit allen möglichen Narrativen und Projektionen besetzt werden. Michael Hort: “These images are very whimsical and imaginative. They are abstract but not entirely abstract. The markings remind you of graffiti, and when you take the time to look, you see all kinds of things.“¹ Das Werk von Christian Rosa ist also keineswegs mit der Produktion abgeschlossen, sodern entsteht im wahrsten Sinne des Wortes auch im Auge des Betrachters.

Untersucht man sein Werk nicht nur in Hinblick auf ästhetische Verwandtschaften, sondern unter soziologischen Gesichtspunkten, so wird die Verankerung seiner Arbeit im Bereich der Pop-Kultur evident. Die Malerei von Christian Rosa ist in erster Linie ein Atelierprodukt. Ihr Referenzpunkt ist weder der eigentliche kompositorische Akt, noch die Echtzeitsituation einer Performance, sondern eine oft unter Anwesenheit von Kollegen, vollzogene Studiopraxis. (2014 hat er mit 1704 Hooper Projects in Los Angeles einen Showroom eröffnet, der es europäischen Künstler-Freunden ermöglicht, dort in der Nähe seines Studios zu arbeiten und auszustellen.)

Das endgültige Format entsteht dann im Rezeptionsprozess und dieser ist erst vollständig, wenn eine Einheit mit verschiedenen medialen Kommunikationsformen entsteht. In diesem Sinne wird die Personality (Rolle) des Künstlers selbst zum Thema. So kursieren in den Medien über den Digital Native Christian Rosa zahlreiche Stories, wie etwa der Film LA with Christian Rosa von Ace Norton. Wie Diedrich Diederichsen analysiert, treten an Stelle der Bourgeoisie und der Mittelschichten global agierende, kulturell hybride Oberschichten (und neu zugelassene Akteure, Migranten, Jugendliche, sexuelle Minderheiten, Frauen), die ihre kulturelle Zugehörigkeit nicht mehr im Modus der Tradition und der Herkunft, sondern in dem der Identifikation und des Begehrens regeln.² Im Einzugsgebiet des großen Konsensus in westlichen Nachkriegsgesellschaften, der nunmehr auch die Kunst erreicht hat, gelingt es Rosa in einer Dialektik zwischen Bejahung und Verneinung konsequent die Möglichkeiten der Nonkonformität in Stellung zu bringen. Offensichtlich betreibt er dabei eine Art von Re-Entry von Differenzen und der Unterscheidung populär/elitär in einem größer gewordenen Feld der zeitgenössischen Kunst.

¹ Zit. nach: Michael and Susan Hort, Michael & Susan Hort’s Favorite Artworks at Art L.A. Contemporary, Artspace, 04.02.2014
² Diedrich Diederichsen, Über Pop-Musik, Köln 2014, S. XIV