Flora Hauser
Nov 9th 2023 – Jan 11th 2024

Flora Hauser 3in1 2021 Oil and pens on canvas 140 x 180 cm
Flora Hauser PARADE (PARRY): CANVAS 1 2022 Acrylic fiber yarn sewn on canvas 75 x 100 cm
Flora Hauser Wrenkh5 - Suppenkasper am Markt 2022 Acrylic fiber yarn sewn on canvas 25 x 20 cm
Flora Hauser PARADE (PARRY): ONE 2022 Acrylic fiber yarn sewn on canvas 43 x 30 cm
Flora Hauser Barbie’s Shed 2016/2021 Pens and oil on canvas 100 x 60 cm
Flora Hauser PARADE, PARRY: TAPESTRY 2022 Acrylic fiber yarn sewn on canvas 100 x 70 cm

Exhibition Text

OUSIA _ Thoughts on my work
– Flora Hauser

In my last group of works, “Parade”, 2022, which was shown at MUMOK in Vienna this summer, I dealt with the topic of “Ousia”. The group of works included a sculpturally presented coat and a pair of boots, and 3 murals. Each piece was handmade and manually embroidered by me. At this point I was still having a hard time finding the right word for what I was trying to say. In a paragraph in the exhibition text, I explained my choice of the title “PARADE”. This section lists well my search for a defining word to describe my thoughts. Here is an excerpt:

  1. PARADE: in general: festive, solemn installation, display // “SACRAL”, the word was important to me. An “over”, the “epic”, “numinous”, … The clothing should be extremely impractical, quasi form and no function. The decoration should be above everything and the union with the room – that is, on a small scale: a large tapestry – was the further symbol of it. Like wallpaper and furniture in Schönbrunn, for example, just a step further.

As already mentioned in the text: the word “sacral” was important to me. Epic and Infinite, Mighty, Timeless and Above All. That’s what it was about for me. But at the same time, and perhaps most importantly, it should retain the allegory of these words as they have been associated with many religions (in my personal experience: The Roman Catholic Church), but at the same time be detached from a defined belief culture. So, what is it about if not a defined belief in something? Possibly: about believing in yourself. In believing in oneself, believing in an OVER that lives in us and is everywhere, and last but not least: believing in energies – those of oneself and everyone, between everything, whether dead or alive, an infinitely growing and yet calming energy that lives from everything, detached from time, from everything that exists.


In my reflections, it soon became clear to me that I had been working on the topic for longer than I was aware of. A lot of what I had already produced started to run together and merge. The beginning, as I see it from my current point of view, was the sudden death of my aunt on 01/28/21. The first death of a person close to me. In the following weeks I worked a lot on music and expressed feelings and thoughts that I had not known before. In a song text to the song “heal II” I spoke about my new world of experience:

Alles ist Überall
All is Uber all

Accept you and it all as pure synergy
Regard yourself as just another energy
Trust in the strength to heal and let every
Believe in all the past souls contribution be
We are all part of the energy
A web we made to heal all of nature’s agony
It’s webbed by every friend and everyone’s family
A connection of the last ten thousand centuries

Please just let me heal

In my research I came across a new term, a term that I dare to believe describes what I have been trying to describe for a long time:


Ousia, a word from the beginning of Greek philosophy that is not translated in either German or English. In German it is often translated as “substance” (alongside the more classical translations in a smaller context of meaning: “wealth” and “property”), although this in no way describes the scope of meaning that ousia encompasses. Other descriptions (translated from German) that I was able to find in connection with my research are:

_ essence
_ an enduring, time-independent identity
_ Occurrence or cessation of sensually perceiving existence, does not affect its wearer
_ the essentials
_ withdrawn from sensual perception but nevertheless real and independently existent
_ is of a purely spiritual nature and can therefore only be recognized in a purely spiritual way
 _ the true being; the actual reality
_ being in the actual sense
_ every idea is of timeless perfection
_ immutable perfection, the perfect
_ Ousia is eternal, independent of time, in a timeless reality
_ the unity of the world soul and the individual souls, WORLD SOUL;
_ Mixed character: mediating authority between the spiritual and material world
_ Access to the spiritual and material world
_ World Soul: Immortal and indivisible Ousia
_ also: body and soul
_ must be unchanged but at the same time in motion, otherwise it would not be recognizable!

This is what I’ve been trying to express for a long time:


And I inevitably thought about art in general.

I think the term Ousia is more substantial when it relates to art than as a subject in itself. Maybe it’s no longer relevant. Maybe it only points us to one thing: art.

I’ve been asking myself a few questions about art for a long time. Which artist doesn’t do that? They revolve a lot around the topic: what is art in general? Is everything we see in the museum art? Do we need more terms for the separation of art, art, art and art? “The fine arts” can best be used to describe the contents of the Venetian Pavilions. But is it really all art, or even … art at all? I’m wondering, in today’s time:

_ is art that is predominantly political art? Or is it activism?
_ is art that is predominantly conceptual art, or is it an exercise in understanding art history better?
_ is mostly humorous art art, or is it a funny anecdote?
_ is art that mainly works with scientific aspects art, or is it an experiment?

… isn’t art just art if it’s ‘just art’?

_ in times of violent political, cultural and social events, doesn’t art have to remain what it is? ‘Just art’?
_ shouldn’t any additional property and additional content be included as a matter of course?
_ is art a place that is supposed to deal with social issues, or is art supposed to be something like OUSIA?
A perfect entity?

… isn’t art only art when it relates purely to itself?
… isn’t art the same as Ousia?

In the exhibition: OUSIA refers to art only as art. There is nothing but art. The space is uniform, symbolically empty and perfect at the same time. And the words come back again – everything is related to art. It is sacred, epic and infinite, powerful, timeless, free of time and above everything, and much, much more.


I most recently expressed Ousia in my aforementioned work group “PARADE” from 2022: I was unfamiliar with the word at the time, but its philosophy nonetheless guided me forward in my work.

In order to illustrate what OUSIA is based on in my current work, it is necessary to first bring the group of works “PARADE” closer.

“PARADE” looked like this: The group consisted of 5 works. They were presented at the Mumok from June to August 2022 as part of the group exhibition “Nominated…”. Three murals in different formats formed the background on one wall. The smallest was 50x30cm, the two medium formats about 120x80cm. In the foreground was a sculpture: a cloak was hung on a delicate, human-sized steel cross (covered by the cloak to the point of subtlety) and trapped in the shape it would have if it were actually worn on the body.
The cloak spread its arms; the hood covered an imaginary head. The hood was very large and the only element that didn’t need to be wired into its final shape. This was because the processing of the fabric made it very stiff and thus kept its shape by itself. The second sculpture stretched into the room: a subtle steel base on which stood a handcrafted pair of boots.

The works were all created in 2022 and represent a milestone in my work. They build directly on the development of my practice, which I studied intensively from 2011 to 2018. 2019 was a year of upheaval for me, followed by a phase of experiments and finding meaning in myself and in art. With the group of works PARADE I was able to implement my philosophy and practice in my work for the first time and to take a few big steps further. A text that is very important to me, which I wrote about my practice in 2017, becomes valid again today:

I see the main works within my work as the drawings on canvas in the very small and the very large format; on paper it is also the drawings and compositions with writing. There is also text on paper. My notebooks play very important role; for one thing they form the basis, as visual inspiration and as a field for writing. I don’t see the products as an end result, but as moments of constant development. They are not something created on purpose, but something that has arisen and is still growing. Drawing has always been important to me. I can’t remember a time in my life when it wasn’t there. While drawing, as I practiced it up to this point and now, was a semi-conscious creation through deferred decisions, the creation of the manner of my writing was more, through necessity, an unconscious creation.

I studied graphic design at the Higher Graphics School in Vienna, and already there I consciously turned away from digital work in the last two years and started to perfect my analog skills. At the same time, my writing – always small, but getting smaller – came closer and closer to printed aesthetics.

It wasn’t until I started creating art myself that I really became aware of the artistic value of my texts. By that I mean the aesthetics of the way I write, less the content. With the realization, I also began to use them more specifically and to make them a part of my work for the first time. I started picking them apart, not literally, but figuratively. So, I tried to understand the reason for the monochrome appearance, as well as the mechanics of my hand movement that led to this, one could say, reverent calm that emanated from the appearance. But while the text always conveys a readable content – even if it is reduced to pure aesthetics in the attempt – the very absence of this in the drawing offers a larger field of interpretation. By dealing with the difference between text and drawing, which have been functioning as the main tools of my mediation for several years now, I realized that the line didn’t always have to lead to an image with a few others, the lines used to create text didn’t always have to lead to legible writing, and further that these two parts could perhaps even belong together, and other aspects as well – although I always feel obliged to use the classic means – none are subject to any regulation.

I also realized: I didn’t have to change just because it was possible. Not scaling up just because the space of opportunity was wider, not accelerating just because the expectation was growing, and not losing sight of the process to get the message across. And also, that one bowed to said expectations much more often than one noticed, and one had to face them much more consciously.

In my current work with these pursuits, as it has been developing for some years now, I am assimilating the elements in my drawings more and more to the way I write, whereby the letters should become illegible forms. I shorten the lines, the density and regularity of how they relate to each other creates partly text-like schemes. The lines should feel like those of writing and at the same time like those of drawing. The aim of my work is often to fill an entire page with this abstract language, i.e. to align it more with the aesthetics of my texts in the overall picture: often filled, little empty space, a rhythmic density, an absolute dynamic, which in the end makes the picture, almost subtly self-contained, sink into itself. Because if nothing is stronger or weaker in itself, if it formed an interplaying unit, it can appear as something pure. I try to take away superfluous elements – those understood and known, those that I don’t feel are capable of telling me anything new – and continue to work with those that haven’t yet told me everything possible. It takes a lot of time, but above all a lot of energy, to let the smallest possible thing grow, namely in its density, in width, and not in the size of the individual lines.

The new works are more colorful and livelier than the drawings that were made up to 2018. They had all been produced by me personally – except for the steel constructions that I had made and help I had completing the boots. The hard, long work was evident, as in my early work. For the first time I also worked – after years of concentrating on pictures – in the highly professional field of sculpture.

One thing made the biggest difference: instead of drawings or paintings with pen or paint, it was embroideries.
Embroideries literally means embroidery. The 3 pictures were embroidered and stretched fabrics; sometimes several pieces of fabric were sewn together to form the picture. The boots consisted of hand-embroidered and hand-sewn individual parts, which I brought into shape and stability with the help of my uncle, a shoemaker. The coat formed the main work. I designed the pattern myself. On one hand, it should look like a priest’s robe and, on the other hand, like boxing ring jackets, as you know them from boxers’ entrances. Every single piece of fabric was meticulously embroidered, partly abstract and partly figurative. I embroidered everything manually with the sewing machine and sewed the parts together myself.


The works are completely detached from time and yet take a long time. Manual work is valued and the digital space left alone. Consumables are not present, instead objects to be cherished. Eternity is felt, and the moment at the same time. Hard work, striving for perfection and the ritualistic repetition that leads to immortal eternity fill the room.

The soul of art is shown. OUSIA.


OUSIA _ Gedanken zu meiner Arbeit
– Flora Hauser

In meiner letzten Werkgruppe, „PARADE“, 2022, die ich diesen Sommer im MUMOK in Wien zeigen durfte, befasste ich mich schon mit dem Thema „Ousia“, eigentlich. Die Werkgruppe umfasste einen skulptural präsentierten Mantel, ein ebenso gezeigtes Paar Stiefel und 3 Wandbilder. Jedes Stück war handgefertigt und manuell von mir bestickt. Zu diesem Zeitpunkt fiel es mir noch schwer, den passenden Begriff dafür zu finden, was ich versuchte zu sagen. In einem Abschnitt im Ausstellungstext erklärte ich meine Entscheidung für den Titel „PARADE“. Dieser Abschnitt führt gut meine Suche nach einem definierenden Wort auf, um meine Gedanken zu beschreiben. Hier ein Auszug:

  1. PARADE allg.: festlich, feierliche Aufstellung, Zurschaustellung // „SAKRAL“, das Wort war mir wichtig. Ein „Über“, das „Epische“, „Numinose“, … Extrem unpraktisch sollte die Kleidung werden, quasi Form And No Function. Das Schmücken sollte über Allem stehen, und die Vereinigung mit dem Raum – also im Kleinen: einem großen Wandteppich – war das weiterführende Sinnbild davon. So wie in Schönbrunn Tapeten und Möbel z.B., nur noch einen Schritt weiter.

Wie in dem Text schon erwähnt: das Wort „Sakral“ war mir wichtig. Episch und Unendlich, Mächtig, Zeitlos und Über Allem. Darum ging es mir. Doch gleichzeitig, und das war vielleicht das Wichtigste, sollte es zwar dem Sinnbild dieser Worte, wie sie sie in Zusammenhang mit vielen Religionen (nach meiner persönlichen Erfahrung: der römisch-katholischen Kirche) haben, beibehalten, jedoch gleichzeitig losgelöst von einer definierten Glaubenskultur. Worum geht es also, wenn nicht um einen definierten Glauben an etwas? Womöglich: um das Glauben an sich. An das Glauben an sich selbst, den glauben an ein ÜBER, das in uns lebt und überall ist und zu guter Letzt: um den Glauben an Energien, die von einem selbst und jedem, zwischen Allem, ob tot oder lebendig, eine unendliche, wachsende und doch ruhende Energie, die aus allem, losgelöst von Zeit, je Existierendem, lebt.


In meiner Überlegung wurde mir bald klar, dass ich an dem Thema schon länger arbeitete, als mir bewusst was. Vieles, das ich schon produziert hatte, fing an, zusammen zu laufen und sich zu vereinigen. Der Beginn, so sehe ich es von meinem jetzigen Standpunkt aus, war der plötzliche Tod meiner Tante am 28.1.21. Der Erste einer mir Nahe stehenden Person überhaupt. In den folgenden Wochen arbeitete ich viel an Musik und brachte somit mir bislang unbekannten Gefühle und Gedanken zum Ausdruck. In einem Liedtext zu dem Lied „heal II“ erzählte ich von meiner mir neuen Erfahrungswelt:

Alles ist Überall
All is Uber all

Accept you and it all as pure synergy
Regard yourself as just another energy
Trust in the strength to heal and let every
Believe in all the past souls contribution be
We are all part of the energy
A web we webbed to heal all of natures agony
It’s webbed by every friend and everyones family
A connection of the last ten thousand centuries

Please just me heal

Nun stieß ich zuletzt in meinen Recherchen auf einen neuen Begriff, einen Begriff, von dem ich zu glauben wage, dass er beschreibt, was ich schon länger zu beschreiben versuche:


Ousia, ein Wort aus den Anfängen der griechischen Philosophie, das weder im Deutschen noch im Englischen Übersetzung findet. Im Deutschen wird es oft als „Substanz“ übersetzt (neben den klassischeren Übersetzungen in einem kleineren Bedeutungsrahmen: „Vermögen“ und „Eigentum“), wobei das in keinster Weise den Bedeutungsumfang beschreibt, den Ousia umfasst. Weitere Beschreibungen, die ich im Zusammenhang mit meiner Recherche finden konnte sind:

_ Essenz
_ eine fortdauernde, zeitunabhängige Identität
_ Auftreten oder Wegfall von sinnlich wahrnehmender Existenz, berührt ihren Träger nicht
_ das Wesentliche
_ es ist der sinnlichen Wahrnehmung entzogen, jedoch trotzdem real und eigenständig existent
_ ist von rein geistiger Natur und kann daher nur auf rein geistigem Weg erkannt werden
_ das wahre Seiende; die eigentliche Wirklichkeit
_ das Sein im eigentlichen Sinne
_ jede Idee ist von zeitloser Vollkommenheit
_ unveränderliche Perfektion, das Vollkommene
_ Ousia ist ewig, zeitunabhängig, in einer zeitlosen Realität
_ die Seinheit der Weltseele sowie der einzelnen Seelen, WELTSEELE
_ Mischcharakter: vermittelnde Instanz zwischen geistiger und materieller Welt
_ Zugang zur geistigen und zur materiellen Welt
_ Weltseele: Unsterbliche und unteilbare Ousia
_ auch: Körper und Seele
_ muss unverändert sein jedoch gleichzeitig in Bewegung, sonst wäre sie nicht erkennbar!

Das ist es, was ich schon lange versuche, auszudrücken:


Und mir fiel dabei unweigerlich der Gedanke zu Kunst allgemein.

Ich denke, dass der Begriff Ousia mehr ist, wenn er sich auf die Kunst bezieht, als ein einfaches Thema an sich. Vielleicht ist es gar kein Thema mehr. Vielleicht verweist es uns einzig und allein auf eine Sache: die Kunst.

Ich stelle mir schon lange einige Fragen, bezüglich der Kunst. Welcher Künstler/Welche Künstlerin tut das nicht? Sie drehen sich viel um die Sache: was ist Kunst allgemein? Ist alles, was wir im Museum sehen, Kunst? Bedarf es uns mehr Begriffe für die Trennung von Kunst, Kunst, Kunst und Kunst? Die feinen Künste, der Begriff kann am ehesten fallen, um den Inhalt der venezianischen Pavillons u beschreiben. Aber ist das wirklich alles Kunst, oder eben, … Kunst? Ich frage mich, auf die heutige Zeit bezogen etwa:

_ Ist Kunst, die überwiegend politisch ist, Kunst? Oder ist es Aktivismus?
_ Ist Kunst, die überwiegend konzeptionell ist, Kunst, oder ist es eine Übung, um Kunstgeschichte besser zu verstehen?
_ Ist überwiegend humoristische Kunst, Kunst, oder ist es eine witzige Anekdote?
_ Ist Kunst, die überwiegend mit wissenschaftlichen Aspekten arbeitet Kunst, oder ist es ein Experiment? _Ist Kunst nicht nur Kunst, wenn es nur Kunst ist?
_ In Zeiten heftiger politischer, kultureller und gesellschaftlicher Ereignisse, muss Kunst nicht bleiben, was sie ist? Eben Kunst?
_ Sollte man jegliche weitere Eigenschaft und jeglichen zuzüglichen Inhalt nicht wie eine Selbstverständlichkeit einbeziehen?
_ Ist die Kunst ein Ort, der gesellschaftliche Fragen bearbeiten soll, oder soll die Kunst so etwas wie OUSIA sein? Eine vollkommene Seinheit.

… Ist Kunst nicht nur Kunst, wenn sie sich rein auf sich selbst bezieht?
… Ist Kunst nicht gleich Ousia?

In der Ausstellung: OUSIA bezieht sich die Kunst nur auf die Kunst. Außer Kunst gibt es nichts. Der Raum ist einheitlich, sinnbildlich leer und vollkommen zugleich. Und die Worte kehren wieder zurück – alle im Zusammenhang auf die Kunst bezogen. Sie ist dabei sakral, episch und unendlich, mächtig, zeitlos, von Zeit befreit und über Allem, und vieles, vieles mehr.


Schon in meiner schon erwähnten Werkgruppe „PARADE“ von 2022 versuchte ich, Ousia auszudrücken: Das Wort war mir damals noch unbekannt, dessen Philosophie führte mich jedoch trotzdem schon in meiner Arbeit voran.

Die Ausstellung OUSIA baut auf dieser Werkgruppe auf.

Um zu veranschaulichen, worauf OUSIA also aufbaut, ist es nötig, erst die Werkgruppe „PARADE“ näher zu bringen.

„PARADE“ sah folgendermaßen aus: Die Werkgruppe bestand aus 5 Werken. Sie wurden von Juni bis August 2022 im Mumok im Rahmen der Gruppenausstellung „Nominiert…“ präsentiert. Drei Wandbilder in verschiedenen Formaten bildeten den Hintergrund auf einer Wand. Das kleinste war 50x30cm groß, die zwei Mittelformate etwa 120x80cm. Im Vordergrund stand eine Skulptur: auf ein (als solches bis zur Subtilität vom Mantel bedecktes), zartes, menschenhohes Stahlkreuz war ein Mantel gehängt und in die Form, die er beim tatsächlichen Tragen am Körper hätte, drapiert. Der Mantel breitete dabei die Arme aus, die Kapuze bedeckte einen imaginären Kopf. Die Kapuze war sehr groß und das einzige Element, das es nicht benötigte, mit Draht in seine endgültige Form gebracht zu werden. Das lag daran, dass durch die Bearbeitung des Stoffes, dieser sehr steif wurde und von alleine seine Form behielt. In den Raum hinein zog sich die zweite Skulptur: Ein dezenter Stahlsockel, auf dem ein handgefertigtes Paar Stiefel stand.

Die Werke sind alle 2022 entstanden und bilden einen Meilenstein in meiner Arbeit. Sie bauen direkt auf der Entwicklung meiner Praxis auf, die ich von 2011 bis 2018 intensiv studierte. 2019 war ein Jahr des Umbruchs für mich, ihm folgte eine Phase von Experimenten und Sinnfindung in mir und der Kunst. Mit der Werkgruppe PARADE konnte ich erstmals wieder meine Philosophie und Praxis in der Arbeit umsetzen und dabei noch einige große Schritte weitermachen. Ein mir sehr wichtiger Text, den ich 2017 zu meiner Praxis schrieb, bekommt dabei erst heute wieder seine Gültigkeit:

Die Hauptwerke in meiner Arbeit sehe ich in der Zeichnung auf Leinwand in dem sehr kleinen und dem sehr großen Format, auf Papier ist es ebenfalls die Zeichnung und Kompositionen mit Schrift. Dazu kommt Text auf Papier. Meine Notizbücher spielen dabei eine sehr große Rolle, sie bilden einerseits die Basis, als visuelle Inspiration und als Feld zur Niederschrift. Ich sehe meine Erzeugnisse nicht als ein Endresultat, sondern als Momente einer konstanten Entwicklung. Sie sind nichts vorsätzlich Erzeugtes, sondern etwas Entstandenes, und weiter Wachsendes. Die Zeichnung war für mich immer wichtig und da. Ich kann mich an keine Zeit meines Lebens erinnern, wo sie nicht da war. Während die Zeichnung, wie ich sie zu diesem Punkt und auch jetzt praktiziere, eine durch zeitlich verschobene Entscheidungen halbwegs bewusste Entstehung war, war die (Entstehung der Art) meines Schreibens ein mehr durch Notwendigkeiten, viel unbewusster hervorgebrachtes Erzeugnis.

Ich studierte Grafikdesign an der Höheren Graphischen in Wien, und schon dort wandte ich mich in meinen letzten zwei Jahren schrittweise bewusst von der digitalen Arbeit ab und begann meine analogen Fähigkeiten zu perfektionieren. Einhergehend näherte sich meine – immer schon kleine, aber noch kleiner werdende – Schrift immer mehr der gedruckten Ästhetik an.

Erst als ich selbst anfing, Kunst zu schaffen, wurde mir der künstlerische Wert meiner Texte richtig bewusst. Damit meine ich die Ästhetik der Art wie ich schreibe, weniger den Inhalt. Mit der Erkenntnis fing ich auch erstmals an, sie gezielter einzusetzen und sie zu einem Bestandteil meiner Arbeit zu machen. Ich fing an, sie auseinander zu pflücken, nicht im wortwörtlichen Sinn, aber im übertragenen. So versuchte ich, den Grund der monochrom erscheinenden Beschaffenheit zu verstehen, sowie die Mechanik meiner Handführung die zu dieser, man könnte sagen, andächtigen Ruhe führte, die von dem Erscheinungsbild ausging. Doch während der Text – auch wenn im Versuch auf die reine Ästhetik reduziert – immer auch einen lesbaren Inhalt transportiert, bietet genau das Fehlen dessen in der Zeichnung ein größeres Deutungsfeld. Mit der Beschäftigung mit dem Unterschied von Text und Zeichnung, die nun seit mehreren Jahren als Hauptinstrumente meiner Vermittlung funktionieren, erkannte ich, dass die Linie nicht immer mit wenigen anderen zu einem Bild führen musste, und die Linien, die man nutzt um Texte zu schaffen, nicht immer zu lesbarer Schrift führen mussten, und weiter, dass diese zwei Teile vielleicht sogar zusammen gehören konnten, und auch andere Aspekte – obwohl ich mich doch immer den klassischen Mitteln verpflichtet fühle – keiner Bestimmung unterliegen.

Ich erkannte außerdem: ich musste nicht verändern, weil es möglich war. Nicht vergrößern, nur weil der Möglichkeitsraum weiter war, nicht beschleunigen, nur weil die Erwartung wuchs, und den Prozess nicht aus den Augen zu verlieren, um die Botschaft zu vermitteln. Und auch, dass man sich den besagten Erwartungen viel öfter beugte, als man es bemerkte, und man sich diesen viel bewusster entgegenstellen muss.

In meiner momentanen Arbeit mit diesen Beschäftigungen, wie sie nun seit einigen Jahren entsteht, gleiche ich die Elemente in meinen Zeichnungen mehr und mehr der Art meines Schreibens an, wobei die Buchstaben unlesbare Formen werden sollten. Ich ziehe die Linien kurz, die Dichte und Regelmäßigkeit wie sie zu einander stehen, erzeugten teilweise textartige Schemen. Die Linienführung soll sich anfühlen wie die des Schreibens und gleichzeitig wie die im Zeichnen. Häufig ist das Ziel meiner Arbeit mit dieser abstrahierten Sprache ein ganzes Blatt zu füllen, sie also im Gesamtbild mehr der Ästhetik meiner Texte anzugleichen: oft gefüllt, wenig leerer Raum, eine rhythmische Dichte, eine absolute Dynamik, die zuletzt das Bild fast subtil in sich selbst versinken lassen soll. Denn wenn nichts in sich stärker oder schwächer ist, es eine zusammenspielende Einheit bildete, kann es als etwas Pures, Reines erscheinen.

Ich versuche überflüssige Elemente – ich meine damit, verstandene und bekannte, jene, die meiner Ansicht nach nicht fähig sind, mir etwas Neues zu erzählen, – wegzunehmen, und mit denen, die selbst mir noch nicht alles Mögliche erzählt haben, weiter zu arbeiten. Es bedarf viel Zeit, aber vor allem sehr viel Energie das möglichst Kleine wachsen zu lassen, und zwar in seiner Dichte, in der Weite, und nicht in der Größe der einzelnen Linien.

Die neuen Werke waren farbenfroher und lebendiger als die Zeichnungen, die bis 2018 entstanden sind. Sie waren alle eigenhändig von mir produziert worden – bis auf die Stahlkonstruktionen, die ich fertigen ließ und bis auf Mithilfe zur Fertigstellung der Stiefel. Die harte, lange Arbeit war, wie in meinen frühen Arbeiten, ersichtlich. Erstmals arbeitete ich zudem – nachdem ich mich jahrelang auf Bilder konzentriert hatte – im hochprofessionellen Bereich mit der Skulptur.

Doch eines bildete den größten Unterschied: statt um Zeichnungen oder Malereien mit Stift oder Farbe, handelte es sich um Stickereien.

Mit Stickereien ist wortwörtlich Stickerei zu verstehen. Die 3 Bilder waren bestickte und aufgespannte Stoffe, teilweise waren mehrere Teile Stoff aneinandergenäht worden, um das Bild zu bilden. Die Stiefel bestanden aus handgestickten und handgenähten Einzelteilen, die ich mithilfe meine Onkels, einem Schuster, in Form und Stabilität brachte. Der Mantel bildete das Hauptwerk. Das Schnittmuster hatte ich selbst entworfen. Es sollte einerseits Priestergewand und andererseits Mäntel, wie man sie vom Boxen kennt, anmuten. Jedes einzelne Stoffteil war akribisch und detailreich, teils abstrakt und teils figurativ bestickt. Ich bestickte alles manuell mit der Nähmaschine und nähte die Teile selbst zusammen.

… Die Seele der Kunst: OUSIA.